Pocas veces una película de superhéroes mezcla de manera tan magistral humor, conflictos políticos y paisajes espectaculares como en Pantera Negra, una producción que, en palabras del actor Chadwick Boseman, es “una gran oportunidad para conocer África” hacia donde te atrae como un imán. “El enfrentamiento desarrollado en la película provocará que muchas personas miren la historia del continente y se sientan orgullosas de ella”, declaró a Efe Boseman, protagonista de este filme, durante su presentación en Londres.
Pantera Negra, última película del universo de superhéroes de Marvel, relata la historia de Wakanda, país ficticio de África y de cómo se sobrepone a la pérdida de su rey y la proclamación de uno nuevo.
Boseman interpreta el papel de T’Challa, hijo del rey de Wakanda y sucesor al trono del reino africano, quien deberá velar para que su país continúe en la paz en la que, hasta la muerte del rey, convive.
Pese a que Pantera Negra es un personaje cuya primera aparición en un cómic se produjo en 1966, este es su debut en la gran pantalla y supondrá la primera ocasión en que sea un superhéroe negro quien protagonice una producción de estas características.
“Es parte del cambio, no significa que el sistema o sociedad haya cambiado. Esta película tiene la oportunidad de afectar a la industria, aunque para un cambio total hay que dar más pasos, seguir trabajando”, expresó Boseman.
Wakanda, situada entre Sudán, Uganda, Kenia, Somalia y Etiopía, es un país tecnológicamente muy avanzado, pero que, para evitar guerras y posibles conflictos con el exterior, se ha aislado, protegiendo su cultura y su prosperidad.
Ryan Coogler, director de la película y autor de obras como Creed (2015), considera que Wakanda es un lugar “especial” por el continente en el que se encuentra y valora la película como una “oportunidad única” en el cine para África, ya que no ha sido representada tantas veces como otros lugares.
Pantera Negra reflexiona sobre el género humano y es que, aunque el protagonista principal sea un hombre, el círculo de mujeres en el que se apoya supone la verdadera fuerza del filme.
“Creo que se puede ver que Wakanda es una sociedad que se ha dado cuenta de que se puede sacar lo mejor de cada uno y de que las mujeres pueden desarrollar todo su potencial, sin sentirse amenazadas por el poder del hombre. Es una imagen que el mundo debería tomar de ejemplo”, añadió Lupita Nyong’o.
La que fuera galardonada con un Oscar a mejor actriz secundaria por su papel en 12 años de esclavitud afirmó que oportunidades como la de Nakia -antigua novia de T’Challa- le atraen por ser “diferentes” y porque como artista “intenta ser lo más versátil posible”. “Con Pantera Negra estaba emocionada por el mundo que Ryan iba a crear y la historia que iba a contar. Sabía que iba a poner a mujeres en posiciones de poder. Era muy alentador y refrescante”, sopesó.
La película recibió el apoyo en Estados Unidos de numerosas campañas que trataron de recaudar fondos a través de internet para que los más jóvenes pudieran disfrutarla y ver cómo un personaje protagonista negro cobraba vida en la gran pantalla.
Coogler trató de salirse del guion habitual de las películas de superhéroes y le imprimió un carácter más ameno, introduciendo chistes y situaciones sarcásticas que enriquecen la obra.
EFE
martes, 27 de febrero de 2018
Disney construirá dos parques temáticos y un hotel de Star Wars
Disney le ofrecerá a los fanáticos de Star Wars la posibilidad de hacer una inmersión total en el mundo fantástico de la saga cinematográfica, debido a que la compañía planea construir dos parques y un hotel temáticos para el 2019, según informaron sus portavoces. El presidente de los Parques y Resorts Walt Disney, Bob Chapek, fue el encargado de realizar el anuncio oficial desde la feria D23 Expo 2018 en Japón.
Los aficionados podrán visitar en 2019 el nuevo mundo de Disney dedicado a Star Wars tanto en Disneyland Park, en California, como en Hollywood Studios, en Florida.
En cambio, la otra propuesta tiene como finalidad experimentar una aventura de la saga durante las 24 horas del día alojándose en un hotel que estará conectado con el parque Star Wars: Galaxy’s Edge y del que todavía se desconoce su fecha de apertura.
El nombre del parque hace referencia a los confines de la galaxia en razón de que la aventura tiene lugar en el remoto planeta ficticio Batuu, que fue en el pasado un importante cruce de caminos intergalácticos.
Allí los visitantes deberán actuar en medio de una batalla entre la Primera Orden y la Resistencia abordo de un destructor estelar y también podrán conducir una réplica de tamaño real del Halcón Milenario en una misión secreta.
Una flota de tamaño real de combatientes de estrellas X-Wing y personajes como Chewie, BB8 y miembros de la Primera Orden interactuarán con los visitantes de Star War: Galaxy’s Edge, quienes además podrán recorrer un mercado callejero dirigido por Toydarian, una de las criaturas del filme Star Wars: La Amenaza Fantasma (1999).
Quienes quieran seguir en el mundo galáctico fuera del parque tendrán la oportunidad de alojarse en un complejo hotelero de lujo dedicado al mundo creado por George Lucas en 1977 y conectado con el parque por una nave estelar.
Los huéspedes del hotel pasaran a ser ciudadanos de la galaxia y podrán vestir como tales. Como era de esperar, todas las habitaciones tendrán vistas al espacio, aseguró Chapek.
Los aficionados podrán visitar en 2019 el nuevo mundo de Disney dedicado a Star Wars tanto en Disneyland Park, en California, como en Hollywood Studios, en Florida.
En cambio, la otra propuesta tiene como finalidad experimentar una aventura de la saga durante las 24 horas del día alojándose en un hotel que estará conectado con el parque Star Wars: Galaxy’s Edge y del que todavía se desconoce su fecha de apertura.
El nombre del parque hace referencia a los confines de la galaxia en razón de que la aventura tiene lugar en el remoto planeta ficticio Batuu, que fue en el pasado un importante cruce de caminos intergalácticos.
Allí los visitantes deberán actuar en medio de una batalla entre la Primera Orden y la Resistencia abordo de un destructor estelar y también podrán conducir una réplica de tamaño real del Halcón Milenario en una misión secreta.
Una flota de tamaño real de combatientes de estrellas X-Wing y personajes como Chewie, BB8 y miembros de la Primera Orden interactuarán con los visitantes de Star War: Galaxy’s Edge, quienes además podrán recorrer un mercado callejero dirigido por Toydarian, una de las criaturas del filme Star Wars: La Amenaza Fantasma (1999).
Quienes quieran seguir en el mundo galáctico fuera del parque tendrán la oportunidad de alojarse en un complejo hotelero de lujo dedicado al mundo creado por George Lucas en 1977 y conectado con el parque por una nave estelar.
Los huéspedes del hotel pasaran a ser ciudadanos de la galaxia y podrán vestir como tales. Como era de esperar, todas las habitaciones tendrán vistas al espacio, aseguró Chapek.
Un sacrifico impensable
ARGUMENTO
Steven (Colin Farrell), un eminente cirujano cardiológico, está casado con Anna (Nicole Kidman), una oftalmóloga respetada. A ellos les va bien y llevan una vida familiar feliz y sana con sus dos hijos, Kim, 14 (Raffey Cassidy) y Bob, 12 (Sunny Suljic).
Steven entabla amistad con Martin (Barry Keoghan), un niño de dieciséis años sin padre y a quien ha tomado bajo su ala. Las cosas toman un giro siniestro cuando Steven presenta a Martin a su familia, su mundo gradualmente se convierte en un caos y Steven se ve forzado a hacer un sacrificio impactante o correr el riesgo de perderlo todo.
LA PRODUCCIÓN
El sacrificio del ciervo sagrado se filmó en Cincinnati, Ohio. La película vuelve a reunir a Colin Farrel con el escritor, director y productor Yorgos Lanthimos tras el éxito crítico y comercial de The Lobster. Nicole Kidman también protagoniza como la esposa del personaje de Farrell, junto a Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Bill Camp y Alicia Silverstone.
YORGOS LANTHIMOS
(DIRECTOR, CO-ESCRITOR)
Nacido en Atenas, Grecia, Yorgos Lanthimos ha dirigido cantidad de videos de danza en colaboración con coreógrafos griegos, además de comerciales de TV, videos musicales, cortos y obras de teatro.
Steven (Colin Farrell), un eminente cirujano cardiológico, está casado con Anna (Nicole Kidman), una oftalmóloga respetada. A ellos les va bien y llevan una vida familiar feliz y sana con sus dos hijos, Kim, 14 (Raffey Cassidy) y Bob, 12 (Sunny Suljic).
Steven entabla amistad con Martin (Barry Keoghan), un niño de dieciséis años sin padre y a quien ha tomado bajo su ala. Las cosas toman un giro siniestro cuando Steven presenta a Martin a su familia, su mundo gradualmente se convierte en un caos y Steven se ve forzado a hacer un sacrificio impactante o correr el riesgo de perderlo todo.
LA PRODUCCIÓN
El sacrificio del ciervo sagrado se filmó en Cincinnati, Ohio. La película vuelve a reunir a Colin Farrel con el escritor, director y productor Yorgos Lanthimos tras el éxito crítico y comercial de The Lobster. Nicole Kidman también protagoniza como la esposa del personaje de Farrell, junto a Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Bill Camp y Alicia Silverstone.
YORGOS LANTHIMOS
(DIRECTOR, CO-ESCRITOR)
Nacido en Atenas, Grecia, Yorgos Lanthimos ha dirigido cantidad de videos de danza en colaboración con coreógrafos griegos, además de comerciales de TV, videos musicales, cortos y obras de teatro.
Los archivos del Pentágono, un drama basado en hechos reales
Steven Spielberg dirige a Meryl Streep y Tom Hanks en Los archivos del Pentágono, un emocionante drama acerca de la poco probable asociación entre Katharine Graham (Streep), la primera editora de The Washington Post, y su motivado editor Ben Bradlee (Hanks), cuando corren para alcanzar a The New York Times para exponer un encubrimiento masivo de secretos del gobierno que se extendió durante tres décadas y cuatro presidentes de Estados Unidos. Los dos deben superar sus diferencias mientras ponen en riesgo sus carreras, y su libertad, para sacar a la luz las verdades sepultadas hace tiempo.
Los archivos del Pentágono marca la primera vez que Meryl Streep, Tom Hanks y Steven Spielberg trabajan juntos en un proyecto. Además de dirigir, Spielberg produce junto con Amy Pascal y Kristie Macosko Krieger.
INTRODUCCIÓN
A lo largo de la historia de Estados Unidos, ha habido momentos catalíticos en los que ciudadanos comunes deben decidir si jugarse todo –sustento, reputación, status, incluso la libertad- para hacer lo que creen correcto y necesario para proteger la Constitución y defender la libertad de Estados Unidos. Con Los archivos del Pentágono, el director ganador de la Academia en múltiples ocasiones Steven Spielberg explora un momento de estos. El resultado es un drama de cuerda floja basado en hechos reales que tuvieron lugar cuando The Washington Post y The New York Times formaron una alianza pragmática tras la exposición incendiaria de The Times del estudio Ultra Secreto que se daría a conocer al mundo como los Informes del Pentágono.
Si bien la primicia fue de The New York Times, The Washington Post toma la historia que originó amenazas legales y el poder de la Casa Blanca sobre The Times—dado que grandes apuestas personales se enfrentan con las necesidades de una nación shockeada al enterarse de lo que esconde su gobierno. En el equilibrio podía pender la suerte de millones, incluidos miles de soldados estadounidenses que luchaban una guerra que su gobierno no cree que puedan ganar. En solo unos pocos días de crisis, la pionera pero inexperta editora del Post Katharine Graham sopesará su legado contra su conciencia a medida que gana la confianza para liderar; y el editor Ben Bradlee debe presionar a su equipo para ir más allá de lo común, sabiendo que podía ser acusado de traición por hacer su trabajo. Pero mientras lo hacen, los que tienen menos posibilidades en Los archivos del Pentágono se unifican en una batalla mucho más grande que sí mismos, una batalla por sus colegas y la Constitución, y eso subraya la necesidad de una prensa libre para responsabilizar a los líderes democráticos, incluso si esto desafía a Graham y Bradlee en su núcleo más íntimo.
Con Los archivos del Pentágono, Spielberg propone una extraordinaria combinación de actores en su mejor momento. En el centro del ensamble están las actuaciones de Streep y Hanks como Graham y Bradlee, uno un líder no probado que está aprendiendo a marcar terreno como una mujer en un mundo cambiante; el otro un periodista duro que evoluciona desde perseguir historias para luchar por los principios de la verdad, que descubren que pueden presionarse entre sí para sacar lo mejor de sí mismos. Detrás de escena, Spielberg se reúne con su unido equipo de galardonados colaboradores que incluyen al cineasta Janusz Kaminski, el editor Michael Kahn, el diseñador de producción Rick Carter y el compositor John Williams, con la legendaria diseñadora de vestuario Ann Roth que se une al círculo.
Todo suma para una recreación de 1971 que parece desplegarse con un suspenso creciente en tiempo real. A lo largo de su carrera, Spielberg se ha sentido atraído de visitar aquellos momentos en los que las transformaciones históricas se convierten en películas que van desde El Imperio del Sol y La lista de Schindler’s hasta Munich, Lincoln y Bridge of Spies. Los archivos del Pentágono pone la lente de Spielberg por primera vez en Estados Unidos de la década de 1970, la misma era en la que él se convirtió en una de las voces de realizadores ilustres de Estados Unidos.
Los archivos del Pentágono marca la primera vez que Meryl Streep, Tom Hanks y Steven Spielberg trabajan juntos en un proyecto. Además de dirigir, Spielberg produce junto con Amy Pascal y Kristie Macosko Krieger.
INTRODUCCIÓN
A lo largo de la historia de Estados Unidos, ha habido momentos catalíticos en los que ciudadanos comunes deben decidir si jugarse todo –sustento, reputación, status, incluso la libertad- para hacer lo que creen correcto y necesario para proteger la Constitución y defender la libertad de Estados Unidos. Con Los archivos del Pentágono, el director ganador de la Academia en múltiples ocasiones Steven Spielberg explora un momento de estos. El resultado es un drama de cuerda floja basado en hechos reales que tuvieron lugar cuando The Washington Post y The New York Times formaron una alianza pragmática tras la exposición incendiaria de The Times del estudio Ultra Secreto que se daría a conocer al mundo como los Informes del Pentágono.
Si bien la primicia fue de The New York Times, The Washington Post toma la historia que originó amenazas legales y el poder de la Casa Blanca sobre The Times—dado que grandes apuestas personales se enfrentan con las necesidades de una nación shockeada al enterarse de lo que esconde su gobierno. En el equilibrio podía pender la suerte de millones, incluidos miles de soldados estadounidenses que luchaban una guerra que su gobierno no cree que puedan ganar. En solo unos pocos días de crisis, la pionera pero inexperta editora del Post Katharine Graham sopesará su legado contra su conciencia a medida que gana la confianza para liderar; y el editor Ben Bradlee debe presionar a su equipo para ir más allá de lo común, sabiendo que podía ser acusado de traición por hacer su trabajo. Pero mientras lo hacen, los que tienen menos posibilidades en Los archivos del Pentágono se unifican en una batalla mucho más grande que sí mismos, una batalla por sus colegas y la Constitución, y eso subraya la necesidad de una prensa libre para responsabilizar a los líderes democráticos, incluso si esto desafía a Graham y Bradlee en su núcleo más íntimo.
Con Los archivos del Pentágono, Spielberg propone una extraordinaria combinación de actores en su mejor momento. En el centro del ensamble están las actuaciones de Streep y Hanks como Graham y Bradlee, uno un líder no probado que está aprendiendo a marcar terreno como una mujer en un mundo cambiante; el otro un periodista duro que evoluciona desde perseguir historias para luchar por los principios de la verdad, que descubren que pueden presionarse entre sí para sacar lo mejor de sí mismos. Detrás de escena, Spielberg se reúne con su unido equipo de galardonados colaboradores que incluyen al cineasta Janusz Kaminski, el editor Michael Kahn, el diseñador de producción Rick Carter y el compositor John Williams, con la legendaria diseñadora de vestuario Ann Roth que se une al círculo.
Todo suma para una recreación de 1971 que parece desplegarse con un suspenso creciente en tiempo real. A lo largo de su carrera, Spielberg se ha sentido atraído de visitar aquellos momentos en los que las transformaciones históricas se convierten en películas que van desde El Imperio del Sol y La lista de Schindler’s hasta Munich, Lincoln y Bridge of Spies. Los archivos del Pentágono pone la lente de Spielberg por primera vez en Estados Unidos de la década de 1970, la misma era en la que él se convirtió en una de las voces de realizadores ilustres de Estados Unidos.
Isle of Dogs la película animada de Wes Anderson que abrió la Berlinale
El Festival Internacional de Cine de Berlín se inició con la proyección de Isle of dogs, una cinta de animación dirigida por Wes Anderson. Sobre la alfombra roja previa desfilaron Bill Murray, Jeff Goldblum, Tilda Swinton y Greta Gerwig, quienes prestan sus voces para esta sátira de poderes humanos corruptos y canes deportados.
La película fue realizada utilizando la famosa técnica ‘stop motion’ y, aunque sus protagonistas no grabaron juntos, sí asistieron a la inauguración del festival en la capital alemana.
“(Hacer esta película) fue como grabar una especie de We are the World con las mejores voces del cine”, manifestó Bill Murray. Él interpreta al perro Boss, el jefe de la tropa creada por Anderson.
“Es un homenaje a Kurosawa”, dijo el director sobre el filme de producción e inspiración japonesa, el cual recrea un mundo post-apocalíptico en Fukushima, lugar donde la pérdida de valores se sintetiza en la traición al más leal amigo: el perro.
Isle of dogs es la primera película de animación de la historia que inaugura una edición de la Berlinale. La cinta sitúa al espectador ante crueles humanos que parecen ladrar, mientras que los canes se expresan en perfecto inglés y, pese a estar abandonados en un basurero, conservan los valores.
“Es un espejo de la sociedad de hoy en la que dejamos que los perros nos transporten de regreso a la humanidad”, afirmó Wes Anderson respecto a su segunda película de animación tras Fantástico Mr. Fox (2009).
Isle of dogs aportó a la Berlinale una buena dosis de estrellas, a pesar de la ausencia de las voces más mediáticas que aparecen en el filme, como Scarlett Johansson y Edward Norton.
Isle of dogs supone el regreso a Berlín de Anderson, quien en 2001 compitió con The Royal Tenenbaums; en 2004 con The Life Aquatic with Steve Zissou y en 2014 con Grand Budapest Hotel, la cual ganó el premio especial del jurado.
La lista de filmes en competencia que se verá en los próximos días presenta a directores consagrados como los franceses Cédric Kahn y Benoit Jacquot, y a nuevos talentos como el paraguayo Marcelo Martinessi y el mexicano Alonso Ruizpalacios, únicos cineastas latinoamericanos en la competencia oficial.
EFE
La película fue realizada utilizando la famosa técnica ‘stop motion’ y, aunque sus protagonistas no grabaron juntos, sí asistieron a la inauguración del festival en la capital alemana.
“(Hacer esta película) fue como grabar una especie de We are the World con las mejores voces del cine”, manifestó Bill Murray. Él interpreta al perro Boss, el jefe de la tropa creada por Anderson.
“Es un homenaje a Kurosawa”, dijo el director sobre el filme de producción e inspiración japonesa, el cual recrea un mundo post-apocalíptico en Fukushima, lugar donde la pérdida de valores se sintetiza en la traición al más leal amigo: el perro.
Isle of dogs es la primera película de animación de la historia que inaugura una edición de la Berlinale. La cinta sitúa al espectador ante crueles humanos que parecen ladrar, mientras que los canes se expresan en perfecto inglés y, pese a estar abandonados en un basurero, conservan los valores.
“Es un espejo de la sociedad de hoy en la que dejamos que los perros nos transporten de regreso a la humanidad”, afirmó Wes Anderson respecto a su segunda película de animación tras Fantástico Mr. Fox (2009).
Isle of dogs aportó a la Berlinale una buena dosis de estrellas, a pesar de la ausencia de las voces más mediáticas que aparecen en el filme, como Scarlett Johansson y Edward Norton.
Isle of dogs supone el regreso a Berlín de Anderson, quien en 2001 compitió con The Royal Tenenbaums; en 2004 con The Life Aquatic with Steve Zissou y en 2014 con Grand Budapest Hotel, la cual ganó el premio especial del jurado.
La lista de filmes en competencia que se verá en los próximos días presenta a directores consagrados como los franceses Cédric Kahn y Benoit Jacquot, y a nuevos talentos como el paraguayo Marcelo Martinessi y el mexicano Alonso Ruizpalacios, únicos cineastas latinoamericanos en la competencia oficial.
EFE
No estoy loca Risas y lágriman en la nueva comedia de Nicolás López
No estoy loca es el nuevo fenómeno de la productora Sobras Internacional Pictures luego del éxito de taquilla Sin Filtro.
No estoy loca es uno de los estrenos más esperados de este año, tras el éxito de Sin filtro (la segunda película chilena más vista de la historia con más de un millón de espectadores) y Házlo como hombre (la quinta película mexicana más vista de la historia con 4,3 millones de espectadores).
ARGUMENTO
No estoy loca se centra en la historia de Carolina (Paz Bascuñán) quien tiene una vida perfecta, hasta que descubre que no puede tener hijos… el mismo día que su esposo (Marcial Tagle) la deja por su mejor amiga (Fernanda Urrejola) … a quien acaba de dejar embarazada.
El quiebre emocional hará que Carolina pierda sus cabales, razón por la que es internada en una clínica siquiátrica, donde conocerá a un grupo de ‘locas’ que la ayudarán a sanarse y reencontrar su camino.
SOBRE EL FILME
El filme protagonizado por Paz Bascuñán cuenta con las actuaciones de Marcial Tagle, Antonia Zegers, Carolina Paulsen, Alison Mandel, Luis Pablo Román, Josefina Cisternas, Ariel Levy, Fernanda Urrejola, Ignacia Allamand, Ramón Llao, Gabriela Hernández y Loreto Aravena.
El director chileno Nicolás López es conocido por haber dirigido películas como: Promedio Rojo (2004), Que pena tu vida (2010), entre otras y en el 2016 dio bastante de que hablar con su película Sin filtro protagonizada por Paz Bascuñán. Tanto fue el éxito que el director nuevamente juega todas sus fichas con una nueva producción en donde nuevamente Paz Bascuñán le da vida a una protagonista de 38 años que de un momento a otro se ve al borde del abismo.
No estoy loca nos trae una historia un poco más intensa en cuanto a sentimientos y emociones de los protagonistas, la vida en una clínica psiquiátrica y el hecho de que todo lo que habías construido se derrumbe de un momento a otro.
Es bueno destacar las actuaciones de Bascuñán, quien logra hacernos sentir la angustia de la protagonista en su momento más crítico, le da a la perfección vida a un personaje que de la angustia pasa a la tristeza y luego a la felicidad sin ningún problema. Otra destacada actuación es la de Antonia Zegers, quien interpreta a una de las internas de la clínica psiquiátrica, el cual es un personaje con un diagnóstico nada esperanzador y que desea salir del recinto para volver a estar con su pequeña hija, ella de seguro los hará reír mucho pero a la vez le dará el toque más emocional a la comedia.
Todas las interpretaciones en general son buenas y en cuanto a tecnicismos hay un buen manejo de fotografía y montaje, nunca se pierde la coherencia de cada escena lo que hace de esta una película ágil y rápida, al igual que la música, siempre adecuada para cada escena lo que logra también un buen ritmo.
No estoy loca es uno de los estrenos más esperados de este año, tras el éxito de Sin filtro (la segunda película chilena más vista de la historia con más de un millón de espectadores) y Házlo como hombre (la quinta película mexicana más vista de la historia con 4,3 millones de espectadores).
ARGUMENTO
No estoy loca se centra en la historia de Carolina (Paz Bascuñán) quien tiene una vida perfecta, hasta que descubre que no puede tener hijos… el mismo día que su esposo (Marcial Tagle) la deja por su mejor amiga (Fernanda Urrejola) … a quien acaba de dejar embarazada.
El quiebre emocional hará que Carolina pierda sus cabales, razón por la que es internada en una clínica siquiátrica, donde conocerá a un grupo de ‘locas’ que la ayudarán a sanarse y reencontrar su camino.
SOBRE EL FILME
El filme protagonizado por Paz Bascuñán cuenta con las actuaciones de Marcial Tagle, Antonia Zegers, Carolina Paulsen, Alison Mandel, Luis Pablo Román, Josefina Cisternas, Ariel Levy, Fernanda Urrejola, Ignacia Allamand, Ramón Llao, Gabriela Hernández y Loreto Aravena.
El director chileno Nicolás López es conocido por haber dirigido películas como: Promedio Rojo (2004), Que pena tu vida (2010), entre otras y en el 2016 dio bastante de que hablar con su película Sin filtro protagonizada por Paz Bascuñán. Tanto fue el éxito que el director nuevamente juega todas sus fichas con una nueva producción en donde nuevamente Paz Bascuñán le da vida a una protagonista de 38 años que de un momento a otro se ve al borde del abismo.
No estoy loca nos trae una historia un poco más intensa en cuanto a sentimientos y emociones de los protagonistas, la vida en una clínica psiquiátrica y el hecho de que todo lo que habías construido se derrumbe de un momento a otro.
Es bueno destacar las actuaciones de Bascuñán, quien logra hacernos sentir la angustia de la protagonista en su momento más crítico, le da a la perfección vida a un personaje que de la angustia pasa a la tristeza y luego a la felicidad sin ningún problema. Otra destacada actuación es la de Antonia Zegers, quien interpreta a una de las internas de la clínica psiquiátrica, el cual es un personaje con un diagnóstico nada esperanzador y que desea salir del recinto para volver a estar con su pequeña hija, ella de seguro los hará reír mucho pero a la vez le dará el toque más emocional a la comedia.
Todas las interpretaciones en general son buenas y en cuanto a tecnicismos hay un buen manejo de fotografía y montaje, nunca se pierde la coherencia de cada escena lo que hace de esta una película ágil y rápida, al igual que la música, siempre adecuada para cada escena lo que logra también un buen ritmo.
El hilo fantasma Romance gótico que examina el significado del amor
Paul Thomas Anderson pinta un luminoso retrato tanto de un artista en un viaje creativo, como de las mujeres que hacen girar su mundo. El hilo fantasma es la octava película de Paul Thomas Anderson y su segunda colaboración con Daniel Day-Lewis.
SINOPSIS
En el glamuroso Londres de los años 50, tras la guerra, el célebre modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) son el centro de todas las miradas en el mundo de la moda británico: visten a la realeza, estrellas de cine, herederas, miembros de la alta sociedad, debutantes y damas con el inconfundible estilo de la Casa Woodcock.
Por la vida del diseñador desfilan todo tipo de mujeres, brindándole inspiración y compañía, hasta que se cruza en su camino una joven de convicciones férreas, Alma (Vicky Krieps), que pronto se convierte en un pilar de su día a día como musa y amante. La vida de Woodcock, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada como todos sus patrones de costura, se ve sacudida por el amor.
BREVE INTRODUCCIÓN DE PAUL THOMAS ANDERSON
Londres, 1955: La ciudad se recupera de los efectos producidos por la II Guerra Mundial entre cartillas de racionamiento, escombros y la niebla. La coronación de la reina Isabel II ha insuflado vida a un país escaso de optimismo. En el centro de este nuevo ímpetu se encuentra Reynolds Woodcock, el hombre que viste a condesas, herederas, estrellas de cine y grandes damas. Sus creaciones hacen que las más tímidas se llenen de valor y las menos atractivas se sientan maravillosas.
Sin embargo, el Sr. Woodcock no es un hombre fácil, tratar con él casi se equipara a enfrentarse a los ejércitos fascistas. Tiene un enorme talento, es el mejor, pero también es quisquilloso, egocéntrico y difícil. En The House of Woodcock, la empresa que lleva con su hermana Cyril, incluso hay reglas para las reglas. Las modelos y las clientas van y vienen en su vida, ofreciéndole inspiración y compañía momentánea, mientras Cyril se ocupa de que La Casa funcione sin impedimentos.
Un buen día, una joven inmigrante originaria de Europa del Este llamada Alma entra en la vida de Reynolds, perturbando su mundo perfectamente ordenado con esa terrible fuerza llamada amor. Su primera reacción es de incomprensión, pero empieza a obsesionarse. ¿Será capaz de resistir a la tremenda atracción del amor, consagrándose a su profesión y permaneciendo soltero, o podrá Alma demostrarle que las alegrías de la vida son mayores cuando se comparten? ¿Podrá Cyril proteger a su hermano de las buenas intenciones de Alma, o se dará cuenta de que una Casa que no cambia es, de hecho, una casa muerta?
El hilo fantasma es una variación del romance gótico que examina el significado del amor ante un peligroso telón de fondo llamado The House of Woodcock. En un esfuerzo por captar y retener el amor, Reynolds y Alma luchan para comprenderse, y controlar los instintos e impulsos que solo el amor más genuino puede producir. Una película basada en interpretaciones increíbles, poderosos recuerdos y música de Jonny Greenwood, de Radiohead.
EL MAESTRO DE TODOS NOSOTROS
Para su primera película rodada fuera de Estados Unidos, el ecléctico guionista y director Paul Thomas Anderson, nominado por la Academia de Hollywood, ha escogido el mundo de la moda del Londres de posguerra, en su segunda colaboración con el protagonista de Pozos de ambición, Daniel Day-Lewis, donde se desarrolla un tumultuoso y elegante romance gótico que no se parece a ninguna de sus películas anteriores.
Centrada en el modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis), El hilo fantasma cuenta la historia de amor entre un maestro creador y su musa, descubierta por el empedernido soltero durante un fin de semana en el campo. Coprotagonizada por Vicky Krieps en el papel de Alma, y Lesley Manville como Cyril, la formidable hermana de Woodcock, la octava película de Paul Thomas Anderson es una compleja historia basada en detalles meticulosos que transcurre en un ambiente opulento.
SINOPSIS
En el glamuroso Londres de los años 50, tras la guerra, el célebre modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) son el centro de todas las miradas en el mundo de la moda británico: visten a la realeza, estrellas de cine, herederas, miembros de la alta sociedad, debutantes y damas con el inconfundible estilo de la Casa Woodcock.
Por la vida del diseñador desfilan todo tipo de mujeres, brindándole inspiración y compañía, hasta que se cruza en su camino una joven de convicciones férreas, Alma (Vicky Krieps), que pronto se convierte en un pilar de su día a día como musa y amante. La vida de Woodcock, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada como todos sus patrones de costura, se ve sacudida por el amor.
BREVE INTRODUCCIÓN DE PAUL THOMAS ANDERSON
Londres, 1955: La ciudad se recupera de los efectos producidos por la II Guerra Mundial entre cartillas de racionamiento, escombros y la niebla. La coronación de la reina Isabel II ha insuflado vida a un país escaso de optimismo. En el centro de este nuevo ímpetu se encuentra Reynolds Woodcock, el hombre que viste a condesas, herederas, estrellas de cine y grandes damas. Sus creaciones hacen que las más tímidas se llenen de valor y las menos atractivas se sientan maravillosas.
Sin embargo, el Sr. Woodcock no es un hombre fácil, tratar con él casi se equipara a enfrentarse a los ejércitos fascistas. Tiene un enorme talento, es el mejor, pero también es quisquilloso, egocéntrico y difícil. En The House of Woodcock, la empresa que lleva con su hermana Cyril, incluso hay reglas para las reglas. Las modelos y las clientas van y vienen en su vida, ofreciéndole inspiración y compañía momentánea, mientras Cyril se ocupa de que La Casa funcione sin impedimentos.
Un buen día, una joven inmigrante originaria de Europa del Este llamada Alma entra en la vida de Reynolds, perturbando su mundo perfectamente ordenado con esa terrible fuerza llamada amor. Su primera reacción es de incomprensión, pero empieza a obsesionarse. ¿Será capaz de resistir a la tremenda atracción del amor, consagrándose a su profesión y permaneciendo soltero, o podrá Alma demostrarle que las alegrías de la vida son mayores cuando se comparten? ¿Podrá Cyril proteger a su hermano de las buenas intenciones de Alma, o se dará cuenta de que una Casa que no cambia es, de hecho, una casa muerta?
El hilo fantasma es una variación del romance gótico que examina el significado del amor ante un peligroso telón de fondo llamado The House of Woodcock. En un esfuerzo por captar y retener el amor, Reynolds y Alma luchan para comprenderse, y controlar los instintos e impulsos que solo el amor más genuino puede producir. Una película basada en interpretaciones increíbles, poderosos recuerdos y música de Jonny Greenwood, de Radiohead.
EL MAESTRO DE TODOS NOSOTROS
Para su primera película rodada fuera de Estados Unidos, el ecléctico guionista y director Paul Thomas Anderson, nominado por la Academia de Hollywood, ha escogido el mundo de la moda del Londres de posguerra, en su segunda colaboración con el protagonista de Pozos de ambición, Daniel Day-Lewis, donde se desarrolla un tumultuoso y elegante romance gótico que no se parece a ninguna de sus películas anteriores.
Centrada en el modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis), El hilo fantasma cuenta la historia de amor entre un maestro creador y su musa, descubierta por el empedernido soltero durante un fin de semana en el campo. Coprotagonizada por Vicky Krieps en el papel de Alma, y Lesley Manville como Cyril, la formidable hermana de Woodcock, la octava película de Paul Thomas Anderson es una compleja historia basada en detalles meticulosos que transcurre en un ambiente opulento.
domingo, 25 de febrero de 2018
Festival de cine en Berlín Oro para Rumanía y plata otorgada a Latinoamérica
El jurado de la Berlinale, presidido por el director alemán Tom Tykwer, optó por el riesgo al dar su Oso de Oro a la rumana “Touch me not” y demostró su firme apuesta por los nuevos talentos de América Latina con dos platas para Paraguay, que debutó con “Las Herederas”, y otra para la mexicana “Museo”.
El premio a “Touch me not”, de Adina Pintilie, está destinado a sembrar polémica, ya que su estreno desató deserciones del público ante las largas escenas de sexo y sadomasoquismo o los monólogos de seres incapacitados para el tacto humano, pese a no faltarles nada, o impedidos que viven en plenitud su sexualidad.
NUEVO CINE
Al equipo de Tykwer habrá que reconocerle coraje por una decisión difícil, pero que, de alguna manera, encaja en su apuesta por el cine nuevo que llega tanto del este de Europa como de América Latina.
“Las herederas”, dirigida por el debutante Marcelo Martinessi y el primer filme de Paraguay a competición en una Berlinale, ganó el premio Alfred Bauer, en memoria del fundador del festival, y una merecidísima plata para su protagonista femenina, Ana Brun, quien dedicó el premio a las mujeres de su país.
Es un filme valiente, acorde con la declarada defensa de la diversidad de ese festival, donde Brun brilla interpretando a una mujer que, tras años en pareja con su dominante compañera debe aprender a manejarse sola.
La película del mexicano Alonso Ruizpalacios, interpretada por Gael García Bernal y basada en el robo real de 143 piezas del Museo Nacional de Antropología, en 1985, obtuvo la Plata al mejor guion, segundo premio para ese director en la Berlinale, tras el que recibió en 2014 a la mejor ópera prima por “Güeros”.
PREMIACIÓN
El Gran Premio del Jurado fue para “Twarz” (Mug), de la polaca Malgorzata Szumowska, otro joven talento con experiencia en el palmarés, ya que en 2015 ganó la Plata a la dirección por “Body”.
Solo hubo un Oso para un consagrado, el del estadounidense Wes Anderson por su dirección en el filme de animación “Isle of Dogs”.
Alemania, que tenía cuatro películas a concurso, se fue de vacío, lo mismo que “Ang panahon ng halimaw” (Season of the Devil), del filipino Lav Diaz, un director acostumbrado a irse de los festivales con premio con sus películas de, al menos, cuatro horas de duración.
Los premios a las interpretaciones están fuera de toda discusión tanto en el caso de Brun, como de Anthony Bajon, Plata al mejor actor por “La Prière”, en el papel de joven drogadicto que se redime por la vía de la oración.
POCOS OSOS PARA ALEMANIA
El Oro a Pintilie, que también obtuvo el premio a la mejor ópera prima, era la apuesta de un jurado determinado a no dejarse influir por las preferencias de críticas o público.
Ese máximo premio, unido a la sequía de Osos para el cine anfitrión -las mejor valoradas fueron “Transit”, de Christian Petzold, y “In der Gängen”, de Thomas Stuber- están destinados a incrementar la presión sobre el director de la Berlinale, Dieter Kosslick, tras 17 años en el cargo.
España logró un par de premios paralelos al festival para “El silencio de los otros”, dirigida por Almudena Carracedo y Robert Bahar. Cinta protagonizada por un grupo de querellantes del proceso que investiga en Argentina crímenes de lesa humanidad durante la dictadura franquista.
La película recibió el premio de la Paz de la Fundación Heinrich Böll entre los filmes incluidos en la Berlinale y el de la audiencia entre los documentales de la sección Panorama de ese festival.
AIRE ENRARECIDO
La 68 edición de la Berlinale se había abierto con al aire enrarecido por la polémica en torno al futuro del festival, después de que un colectivo de destacados cineastas alemanes apremiara a buscar una sucesión transparente para Kosslick.
A esa situación siguieron las primeras decepciones por algunas de los 19 filmes incluidos a competición, por debajo del nivel que se espera de un festival de primera categoría internacional.
Por si fuera poco, hubo aún menos presencia de estrellas sobre su alfombra roja que otros años, uno de los déficits recurrentes del evento berlinés respecto a Cannes y Venecia, este año más evidente que nunca.
El sello de identidad de la Berlinale y lo que la diferencia de la elitista Cannes, es su condición de festival para el público, ya que se ponen a la venta -y se agotan- 300.000 entradas entre todas sus secciones, incluidas las galas de estreno.
La presente edición del festival cumplió un año más con este requisito, pero ello no ha aliviado las presiones sobre Kosslick, cuyo contrato expira en mayo de 2019, por lo que se supone que la transición hacia su sucesor empezó ya con este palmarés. (EFE)
El premio a “Touch me not”, de Adina Pintilie, está destinado a sembrar polémica, ya que su estreno desató deserciones del público ante las largas escenas de sexo y sadomasoquismo o los monólogos de seres incapacitados para el tacto humano, pese a no faltarles nada, o impedidos que viven en plenitud su sexualidad.
NUEVO CINE
Al equipo de Tykwer habrá que reconocerle coraje por una decisión difícil, pero que, de alguna manera, encaja en su apuesta por el cine nuevo que llega tanto del este de Europa como de América Latina.
“Las herederas”, dirigida por el debutante Marcelo Martinessi y el primer filme de Paraguay a competición en una Berlinale, ganó el premio Alfred Bauer, en memoria del fundador del festival, y una merecidísima plata para su protagonista femenina, Ana Brun, quien dedicó el premio a las mujeres de su país.
Es un filme valiente, acorde con la declarada defensa de la diversidad de ese festival, donde Brun brilla interpretando a una mujer que, tras años en pareja con su dominante compañera debe aprender a manejarse sola.
La película del mexicano Alonso Ruizpalacios, interpretada por Gael García Bernal y basada en el robo real de 143 piezas del Museo Nacional de Antropología, en 1985, obtuvo la Plata al mejor guion, segundo premio para ese director en la Berlinale, tras el que recibió en 2014 a la mejor ópera prima por “Güeros”.
PREMIACIÓN
El Gran Premio del Jurado fue para “Twarz” (Mug), de la polaca Malgorzata Szumowska, otro joven talento con experiencia en el palmarés, ya que en 2015 ganó la Plata a la dirección por “Body”.
Solo hubo un Oso para un consagrado, el del estadounidense Wes Anderson por su dirección en el filme de animación “Isle of Dogs”.
Alemania, que tenía cuatro películas a concurso, se fue de vacío, lo mismo que “Ang panahon ng halimaw” (Season of the Devil), del filipino Lav Diaz, un director acostumbrado a irse de los festivales con premio con sus películas de, al menos, cuatro horas de duración.
Los premios a las interpretaciones están fuera de toda discusión tanto en el caso de Brun, como de Anthony Bajon, Plata al mejor actor por “La Prière”, en el papel de joven drogadicto que se redime por la vía de la oración.
POCOS OSOS PARA ALEMANIA
El Oro a Pintilie, que también obtuvo el premio a la mejor ópera prima, era la apuesta de un jurado determinado a no dejarse influir por las preferencias de críticas o público.
Ese máximo premio, unido a la sequía de Osos para el cine anfitrión -las mejor valoradas fueron “Transit”, de Christian Petzold, y “In der Gängen”, de Thomas Stuber- están destinados a incrementar la presión sobre el director de la Berlinale, Dieter Kosslick, tras 17 años en el cargo.
España logró un par de premios paralelos al festival para “El silencio de los otros”, dirigida por Almudena Carracedo y Robert Bahar. Cinta protagonizada por un grupo de querellantes del proceso que investiga en Argentina crímenes de lesa humanidad durante la dictadura franquista.
La película recibió el premio de la Paz de la Fundación Heinrich Böll entre los filmes incluidos en la Berlinale y el de la audiencia entre los documentales de la sección Panorama de ese festival.
AIRE ENRARECIDO
La 68 edición de la Berlinale se había abierto con al aire enrarecido por la polémica en torno al futuro del festival, después de que un colectivo de destacados cineastas alemanes apremiara a buscar una sucesión transparente para Kosslick.
A esa situación siguieron las primeras decepciones por algunas de los 19 filmes incluidos a competición, por debajo del nivel que se espera de un festival de primera categoría internacional.
Por si fuera poco, hubo aún menos presencia de estrellas sobre su alfombra roja que otros años, uno de los déficits recurrentes del evento berlinés respecto a Cannes y Venecia, este año más evidente que nunca.
El sello de identidad de la Berlinale y lo que la diferencia de la elitista Cannes, es su condición de festival para el público, ya que se ponen a la venta -y se agotan- 300.000 entradas entre todas sus secciones, incluidas las galas de estreno.
La presente edición del festival cumplió un año más con este requisito, pero ello no ha aliviado las presiones sobre Kosslick, cuyo contrato expira en mayo de 2019, por lo que se supone que la transición hacia su sucesor empezó ya con este palmarés. (EFE)
lunes, 19 de febrero de 2018
Premio Bafta Del Toro es mejor director por “The Shape of Water”
El cineasta mexicano Guillermo del Toro ganó ayer, en la 71 edición de los premios de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión, el Bafta a mejor director por “The Shape of Water”.
Del Toro, de 53 años, que hace poco más de un mes se llevó el Globo de Oro en esta misma categoría, se impuso a Martin McDonagh (“Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”), Christopher Nolan (“Dunkirk”), Luca Guadagnino (“Call Me by Your Name”) y Denis Villeneuve (“Blade Runner 2049”).
“Gracias a la Academia por todo el apoyo brindado. La cultura inglesa me ha marcado mucho y me ha inspirado desde siempre. No oculto lo importante que han sido en mi carrera”, aseguró el mexicano con la ‘máscara’ en mano, recibida de manos de Patrick Stewart y Naomie Harris.
Este es el segundo BAFTA que gana Del Toro, tras el conquistado en 2007 en la categoría de mejor película de habla no inglesa por “El laberinto del fauno”.
El director, guionista, productor y novelista mexicano comenzó la gala optando a tres máscaras -mejor director, mejor película y mejor guion original- por “The Shape of Water”.
La fantasía romántica de Del Toro, ambientada en Baltimore (Estados Unidos) en 1962 y que narra la historia de una joven conserje que trabaja en un laboratorio del gobierno de alta seguridad durante la Guerra Fría y se enamora de una criatura humanoide-anfibia capturada, optaba a 12 ‘máscaras’ en la gala de esta noche.
Pero finalmente se ha llevado tres: mejor director, música (Alexandre Desplat) y diseño de producción.
Guillermo del Toro, que ya ganó el pasado mes de enero el Globo de Oro a mejor director, se postula así como máximo favorito para los premios Óscar en esa categoría. (EFE)
Del Toro, de 53 años, que hace poco más de un mes se llevó el Globo de Oro en esta misma categoría, se impuso a Martin McDonagh (“Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”), Christopher Nolan (“Dunkirk”), Luca Guadagnino (“Call Me by Your Name”) y Denis Villeneuve (“Blade Runner 2049”).
“Gracias a la Academia por todo el apoyo brindado. La cultura inglesa me ha marcado mucho y me ha inspirado desde siempre. No oculto lo importante que han sido en mi carrera”, aseguró el mexicano con la ‘máscara’ en mano, recibida de manos de Patrick Stewart y Naomie Harris.
Este es el segundo BAFTA que gana Del Toro, tras el conquistado en 2007 en la categoría de mejor película de habla no inglesa por “El laberinto del fauno”.
El director, guionista, productor y novelista mexicano comenzó la gala optando a tres máscaras -mejor director, mejor película y mejor guion original- por “The Shape of Water”.
La fantasía romántica de Del Toro, ambientada en Baltimore (Estados Unidos) en 1962 y que narra la historia de una joven conserje que trabaja en un laboratorio del gobierno de alta seguridad durante la Guerra Fría y se enamora de una criatura humanoide-anfibia capturada, optaba a 12 ‘máscaras’ en la gala de esta noche.
Pero finalmente se ha llevado tres: mejor director, música (Alexandre Desplat) y diseño de producción.
Guillermo del Toro, que ya ganó el pasado mes de enero el Globo de Oro a mejor director, se postula así como máximo favorito para los premios Óscar en esa categoría. (EFE)
Premio Bafta “Coco” es mejor película de animación
“Coco”, del estadounidense Lee Unkrich, conquistó ayer en Londres el Bafta a la mejor película de animación en la 71 edición de los premios de la Academia Británica del Cine y de la Televisión.
El filme, inspirado en la festividad mexicana del Día de Muertos y que ha recaudado más de 715 millones de dólares (576 millones de euros) en todo el mundo, superó a “Loving Vincent”, de Dorota Kobiela y Hugh Welchman, y “My Life as a Courgette” (“Mi vida como Calabacín”), de Claude Barras.
“Gracias a la Academia británica por el apoyo. Es un honor enorme. Gracias a todos por creer en esta historia única, y gracias también a la gente de México por su tradición, que me ha inspirado y sin la que no habría salido adelante esta historia”, aseguró visiblemente emocionado Unkrich tras recibir el galardón.
“La gente tiene que sentirse orgullosa de dónde es. Espero que hayamos conseguido hacer la diferencia y que este sea sólo el principio”, añadió el estadounidense, que recibió la ‘máscara’ de manos de Edward Holcroft y Tom Taylor.
“Coco”, que cuenta con las voces de Gael García Bernal, Alfonso Arau o Gabriel Iglesias, ganó el pasado mes de enero el Globo de Oro al mejor filme de animación -estaba también nominado a mejor canción original, por “Remember Me”- y pugnará el próximo 4 de marzo por el Óscar en estas mismas categorías. (EFE)
El filme, inspirado en la festividad mexicana del Día de Muertos y que ha recaudado más de 715 millones de dólares (576 millones de euros) en todo el mundo, superó a “Loving Vincent”, de Dorota Kobiela y Hugh Welchman, y “My Life as a Courgette” (“Mi vida como Calabacín”), de Claude Barras.
“Gracias a la Academia británica por el apoyo. Es un honor enorme. Gracias a todos por creer en esta historia única, y gracias también a la gente de México por su tradición, que me ha inspirado y sin la que no habría salido adelante esta historia”, aseguró visiblemente emocionado Unkrich tras recibir el galardón.
“La gente tiene que sentirse orgullosa de dónde es. Espero que hayamos conseguido hacer la diferencia y que este sea sólo el principio”, añadió el estadounidense, que recibió la ‘máscara’ de manos de Edward Holcroft y Tom Taylor.
“Coco”, que cuenta con las voces de Gael García Bernal, Alfonso Arau o Gabriel Iglesias, ganó el pasado mes de enero el Globo de Oro al mejor filme de animación -estaba también nominado a mejor canción original, por “Remember Me”- y pugnará el próximo 4 de marzo por el Óscar en estas mismas categorías. (EFE)
Lista de ganadores “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” es premio Bafta
Londres.- “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”, del inglés Martin McDonagh, se erigió ayer como la triunfadora de la 71 edición de los premios Bafta del cine británico al ganar cinco galardones: mejor película, película británica, actriz, actor secundario y guion original.
La lista completa de ganadores es la siguiente:
Mejor película: “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”.
Mejor director: Guillermo del Toro (“The Shape of Water”).
Mejor actor: Gary Oldman (“Darkest Hour”).
Mejor actriz: Frances McDormand (“Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”).
Mejor actor secundario: Sam Rockwell (“Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”).
Mejor actriz secundaria: Allison Janney (“I, Tonya”).
Mejor intérprete revelación: Daniel Kaluuya (“Get Out”).
Mejor guion original: Martin McDonagh, por “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”.
Mejor guion adaptado: James Ivory, por “Call Me by Your Name”.
Mejor película británica: “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”.
Mejor película de habla no inglesa: “The Handmaiden” (Corea del Sur).
Mejor documental: “I Am Not Your Negro”.
Mejor película de animación: “Coco”.
Mejor corto británico: “Cowboy Dave”.
Mejor corto de animación: “Poles Apart”.
Mejor director, guionista o productor británico novel: Rungano Nyoni, por “I Am Not A Witch”.
Música original: Alexandre Desplat, por “The Shape of Water”.
Sonido: Richard King, Gregg Landaker, Gary A. Rizzo y Mark Weingarten, por “Dunkirk”.
Fotografía: Roger Deakins, por “Blade Runner 2049”.
Diseño de vestuario: Mark Bridges, por “Phantom Thread”.
Efectos visuales: Gerd Nefzer y John Nelson, por “Blade Runner 2049”.
Maquillaje y peluquería: David Malinowski, Ivana Primorac, Lucy Sibbick y Kazuhiro Tsuji, por “Darkest Hour”.
Montaje: Jonathan Amos y Paul Machliss, por “Baby Driver”.
Diseño de producción: Paul Austerberry, Jeff Melvin y Shane Vieau, por “The Shape of Water”.
BAFTA honorario: Ridley Scott.
BAFTA a la mayor contribución al cine británico: The National Film and Television School (NFTS). (EFE)
La lista completa de ganadores es la siguiente:
Mejor película: “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”.
Mejor director: Guillermo del Toro (“The Shape of Water”).
Mejor actor: Gary Oldman (“Darkest Hour”).
Mejor actriz: Frances McDormand (“Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”).
Mejor actor secundario: Sam Rockwell (“Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”).
Mejor actriz secundaria: Allison Janney (“I, Tonya”).
Mejor intérprete revelación: Daniel Kaluuya (“Get Out”).
Mejor guion original: Martin McDonagh, por “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”.
Mejor guion adaptado: James Ivory, por “Call Me by Your Name”.
Mejor película británica: “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”.
Mejor película de habla no inglesa: “The Handmaiden” (Corea del Sur).
Mejor documental: “I Am Not Your Negro”.
Mejor película de animación: “Coco”.
Mejor corto británico: “Cowboy Dave”.
Mejor corto de animación: “Poles Apart”.
Mejor director, guionista o productor británico novel: Rungano Nyoni, por “I Am Not A Witch”.
Música original: Alexandre Desplat, por “The Shape of Water”.
Sonido: Richard King, Gregg Landaker, Gary A. Rizzo y Mark Weingarten, por “Dunkirk”.
Fotografía: Roger Deakins, por “Blade Runner 2049”.
Diseño de vestuario: Mark Bridges, por “Phantom Thread”.
Efectos visuales: Gerd Nefzer y John Nelson, por “Blade Runner 2049”.
Maquillaje y peluquería: David Malinowski, Ivana Primorac, Lucy Sibbick y Kazuhiro Tsuji, por “Darkest Hour”.
Montaje: Jonathan Amos y Paul Machliss, por “Baby Driver”.
Diseño de producción: Paul Austerberry, Jeff Melvin y Shane Vieau, por “The Shape of Water”.
BAFTA honorario: Ridley Scott.
BAFTA a la mayor contribución al cine británico: The National Film and Television School (NFTS). (EFE)
Cine y comida para recordar desastrosa crisis posguerra
a embajada de Italia presentará mañana a las 19.30 horas, en el Espacio Simón I. Patiño, un singular evento que combinará cine y comida para recordar la crisis, en el contexto italiano, posterior a la Segunda Guerra Mundial. El evento es abierto para todo público y el ingreso es libre.
La velada se denomina "Comida y comedia a la italiana" y es organizada por la Fundación Patiño conjuntamente con la Embajada de Italia, la Sociedad Dante Alighieri y el Comité de La Paz, además se tiene el apoyo del restaurante Il Falco.
La proyección se realizará el 20 de febrero en el Auditorio del Espacio Patiño, ubicado en el mezzanine del edificio Guayaquil de la avenida Ecuador 2503, esquina Belisario Salinas de la zona Sopocachi.
La película que se proyectará se denomina "Guardias y ladrones" de los italianos Steno (Stefano Vanzina) y Mario Monicelli. El filme presentará el tema de la comida en la comedia cinematográfica italiana del período sucesivo a la Segunda Guerra Mundial (1951).
Los protagonistas de la comedia son dos tipos de italianos en apariencia opuesta pero con una condición común: la de pasar los días buscando la manera de conseguir comida para sus familias en el contexto de la posguerra en Italia. Por un lado, Ferdinando Esposito (Totò), un delincuente napolitano que trata de vivir a través de pequeños robos con el objetivo de mantener a su familia. Por el otro lado, Lorenzo Bottoni (Aldo Fabrizi), un torpe agente de policía que después de divertidas vicisitudes logra finalmente perseguir al ladrón. Toda la historia se desarrolla a través de un hilo común, el del hambre que caracteriza a los dos personajes y sus familias, hasta que, después de tantas risas, un final amargo cierra las aventuras picarescas de los personajes.
Después de la proyección los asistentes disfrutarán de un aperitivo preparado con ingredientes típicos de la comida italiana.
La Segunda Guerra Mundial (1939 - 1945) fue un conflicto que estalló en Europa, el año de 1939, entre la coalición denominada EJE (formada por Alemania (Tercer Reich), Italia y el Imperio del Japón) y las potencias Aliados, constituidas por Francia, Gran Bretaña y URSS (antiguo imperio Ruso). La contienda que concluyó en 1945, originó la derrota de Alemania, Italia y Japón, a la vez trajo desastrosas consecuencias, no solamente para los países beligerantes sino para toda la humanidad, una de ellas la falta de alimentos.
La velada se denomina "Comida y comedia a la italiana" y es organizada por la Fundación Patiño conjuntamente con la Embajada de Italia, la Sociedad Dante Alighieri y el Comité de La Paz, además se tiene el apoyo del restaurante Il Falco.
La proyección se realizará el 20 de febrero en el Auditorio del Espacio Patiño, ubicado en el mezzanine del edificio Guayaquil de la avenida Ecuador 2503, esquina Belisario Salinas de la zona Sopocachi.
La película que se proyectará se denomina "Guardias y ladrones" de los italianos Steno (Stefano Vanzina) y Mario Monicelli. El filme presentará el tema de la comida en la comedia cinematográfica italiana del período sucesivo a la Segunda Guerra Mundial (1951).
Los protagonistas de la comedia son dos tipos de italianos en apariencia opuesta pero con una condición común: la de pasar los días buscando la manera de conseguir comida para sus familias en el contexto de la posguerra en Italia. Por un lado, Ferdinando Esposito (Totò), un delincuente napolitano que trata de vivir a través de pequeños robos con el objetivo de mantener a su familia. Por el otro lado, Lorenzo Bottoni (Aldo Fabrizi), un torpe agente de policía que después de divertidas vicisitudes logra finalmente perseguir al ladrón. Toda la historia se desarrolla a través de un hilo común, el del hambre que caracteriza a los dos personajes y sus familias, hasta que, después de tantas risas, un final amargo cierra las aventuras picarescas de los personajes.
Después de la proyección los asistentes disfrutarán de un aperitivo preparado con ingredientes típicos de la comida italiana.
La Segunda Guerra Mundial (1939 - 1945) fue un conflicto que estalló en Europa, el año de 1939, entre la coalición denominada EJE (formada por Alemania (Tercer Reich), Italia y el Imperio del Japón) y las potencias Aliados, constituidas por Francia, Gran Bretaña y URSS (antiguo imperio Ruso). La contienda que concluyó en 1945, originó la derrota de Alemania, Italia y Japón, a la vez trajo desastrosas consecuencias, no solamente para los países beligerantes sino para toda la humanidad, una de ellas la falta de alimentos.
El apartamento´ abrió ciclo de La mejor película del mundo
La laureada película ´El apartamento´ (The apartment 1960) abrió el ciclo de cine "La mejor película del mundo", en la Cinemateca Boliviana.
Sin duda, es uno de los grandes títulos del director Billy Wilder y, también, de la historia del cine, que da para disfrutarla una y otra vez.
Para esta ocasión, Diego Gullco, impulsor del ciclo, invitó al equipo de Alma Films, dirigida por el reconocido director Marcos Loayza y sus hijos Santiago (Director de Fotografía) y Alejandro (Productor Ejecutivo), para que comenten ¿por qué? esta película es su favorita.
Seguidamente, los cinéfilos se acomodaron cómodamente en sus butacas para solazarse con el filme, que trata de un modesto, pero ambicioso empleado de una compañía de seguros de Manhattan. Vive solo en un discreto apartamento que presta ocasionalmente a sus superiores para sus citas amorosas, con la esperanza de que estos favores le sirvan para mejorar su posición en la empresa. Pero la situación cambia cuando se enamora de una ascensorista que resulta ser la amante de uno de sus jefes.
Sin duda, es uno de los grandes títulos del director Billy Wilder y, también, de la historia del cine, que da para disfrutarla una y otra vez.
Para esta ocasión, Diego Gullco, impulsor del ciclo, invitó al equipo de Alma Films, dirigida por el reconocido director Marcos Loayza y sus hijos Santiago (Director de Fotografía) y Alejandro (Productor Ejecutivo), para que comenten ¿por qué? esta película es su favorita.
Seguidamente, los cinéfilos se acomodaron cómodamente en sus butacas para solazarse con el filme, que trata de un modesto, pero ambicioso empleado de una compañía de seguros de Manhattan. Vive solo en un discreto apartamento que presta ocasionalmente a sus superiores para sus citas amorosas, con la esperanza de que estos favores le sirvan para mejorar su posición en la empresa. Pero la situación cambia cuando se enamora de una ascensorista que resulta ser la amante de uno de sus jefes.
domingo, 11 de febrero de 2018
El Río, de Juan Pablo Richter, debuta en Festival de Cine de Miami
Durante la XXXV edición del Festival de Cine de Miami se proyectarán 148 filmes de 50 países.
En ese mar de películas, El río, de Juan Pablo Richter, se ha ganado un espacio y será la única cinta boliviana que este año participe de la muestra.
El largometraje, que aún no ha sido estrenado en Bolivia, concursa en la categoría de largometraje iberoamericano, patrocinado por HBO y dotado de $us 10.000.
“Mandamos la película el año pasado a la programación del festival y nos respondieron aceptando la postulación. Nos interesaba muchísimo, porque el festival de Miami está entre los tres festivales de cine latinoamericano más importantes de Estados Unidos, por eso se nos hacía importante aplicar”, cuenta Juan Pablo Richter, que viene trabajando en este proyecto desde 2013 y que recién pudo ser filmado a mediados de 2016.
“Es la historia de un adolescente que se llama Sebastián, que vive en La Paz y se va a vivir con su padre al Beni, un hombre dedicado a la ganadería y a la extracción de madera. Sebastián se crio lejos de su padre y se enfrenta a un paisaje nuevo que no conocía y empieza a descubrir que es un ambiente de mucha violencia y abandono, sobre todo para las mujeres”, explica el director, que también es guionista del filme.
El proyecto de la película obtuvo apoyo económico de entidades privadas y del fondo Ibermedia, que apoya la realización de coproducciones de Iberoamérica -en este caso el filme boliviano es coproducido con el Instituto de Cine de Ecuador-.
El año pasado El Río también ganó en el Festival Internacional de Cine José Ignacio de Uruguay el financiamiento para costear su posproducción, lo que ayudó a que terminaran la película.
La proyección del largometraje en Miami se realizará el 14 de marzo, pero en Bolivia recién se la podrá ver a mediados de agosto, cuando se la exhiba en las principales salas del país.
“Si bien el festival de Miami es un gran punto de partida, actualmente estamos tratando de garantizar el estreno en Bolivia en las mejores condiciones, que es lo que más nos interesa”, sostiene el cineasta.
jueves, 8 de febrero de 2018
Febrero 2018 - "Focos de Cine Inusual" en México y Perú.
Para su difusión:
FOCOS DE CINE INUSUAL en "6° MIAX" (MUESTRA INDEPENDIENTE AUDIOVISUAL DE XALISCO / México) y "1° Festival INSÓLITO" (Perú)
Del 8 al 11 de Febrero: "MIAX 2018" - Cineforo (Universidad de Guadalajara) / Casa Museo "López Portillo"
Del 14 a 18 de Febrero: "INSÓLITO 2018" - Teatro Auditorio Mario Vargas Llosa (Biblioteca Nacional del Perú)
Programación de Cine Inusual: Silvia G. Romero y Fabián Sancho
Presentación
------------------------------
Desde sus inicios, el "Festival de Cine Inusual de Buenos Aires"
se ha propuesto indagar los aspectos menos explorados de la producción
cinematográfica actual con el fin de cubrir las expectativas de aquellos
que anhelan una visión fílmica diferente. Un objetivo a cumplir es
facilitar el conocimiento de muchos autores noveles que, al huir del
estereotipo vigente, ofrecen una perspectiva ecléctica desde lo temático
y visual.
Agradecemos a los organizadores de "MIAX" (Muestra Independiente Audiovisual de Xalisco / México) y de "INSÓLITO" (1° Festival de Cine de Terror y Fantasía / Perú) la
oportunidad que nos brindan al estimular proyecciones en focos de
cortometrajes y largometrajes que integraron nuestras últimas ediciones.
También sumamos la actividad de Jurado en "MIAX".
Silvia G. Romero y Fabián Sancho
------------------------------
Selección: "Especiales de Cine Inusual" en MIAX 2018
Ahí viene (Federico Jacobi) - Largometraje ficcional
El muelle (Matías I. Guzmán) - Largometraje ficcional
La sombra en la ventana (Gustavo Provitina) - Largometraje ficcional
------------------------------
Selección: "Foco de Cine Inusual" en INSÓLITO 2018
AGS - Agence Générale du S... (Rodney Borges) - Cortometraje ficcional
Alguien en la casa (Ezequiel Vega) - Cortometraje ficcional
Mensaje (Sergio Marzano) - Cortometraje ficcional
Prisionera de la eternidad (Gabriel Piñeiro) - Cortometraje ficcional
Realidad del inconsciente en soledad (Ariana Lafferriere, Carla Sofía Ostiglia) - Cortometraje ficcional
------------------------------
Silvia G. Romero / Fabián Sancho
Festival de Cine Inusual de Buenos Aires
Mail: festivalcineinusual@gmail.com
------------------------------
------------------------------
Fichas Técnicas (MIAX 2018)
------------------------------
AHÍ VIENE (2017)
Dirección: Federico Jacobi. Guión: Gastón
Varela. Argentina. 62 min.
Narra
los últimos días de vida de un hombre que se encuentra solo en una casa
totalmente deteriorada por el paso del tiempo y la dejadez. Él cambia su
actitud de cara a la muerte, lo que repercute en la tensa relación que
mantiene con el hijo. Mejor Actor (Daniel Quaranta) en el "13° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires" (Octubre 2017).
------------------------------
EL MUELLE (2016)
Dirección/Guión:
Matías I. Guzmán. Argentina. 85 min.
En el sur
argentino, un profesor busca el amor sin suerte. En la ciudad de
Córdoba, una arquitecta se separa y emprende un viaje a su ciudad natal.
El muelle será testigo del reencuentro. Mejor Actriz (Analía Juan) en el "13° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires" (Octubre 2017).
------------------------------
LA SOMBRA EN LA VENTANA (2017)
Dirección/Guión: Gustavo Provitina. Argentina. 75 min.
María
ha sido vendida por su padre a una red de trata de personas. El
cautiverio, el abuso y el maltrato debilitan su frágil cordura. Una
serie de muertes inesperadas la hundirán en un abismo sin retorno. Competencia Oficial / "13° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires" (Octubre 2017).
------------------------------
Fichas Técnicas (INSÓLITO 2018)
------------------------------
AGS - AGENCE GÉNÉRALE DU S... (2017)
Dirección: Rodney Borges. Guión: Euler Santi. Brasil. 13:00 min.
AGS
es una agencia que funciona como una repartición pública desde 1920 y
cumple los deseos de sus clientes respecto de una muerte excéntrica. El
cortometraje está basado en la obra "Agence Générale du Suicide" del
poeta francés Jacques Rigaut. Sección "Zona de Riesgo" / "13° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires" (Octubre 2017).
------------------------------
ALGUIEN EN LA CASA (2015)
Dirección:
Ezequiel Vega. Guión: Fabiana Vogel. Argentina. 15:00 min.
Marco desea abandonar su casa para empezar una nueva vida con Sofía. Cuando intenta explicárselo a su madre, ésta lo manipula para retenerlo a su lado. Sofocado por la presión, comienza a sentirse acechado por un ser extraño. Mejor Cortometraje de la Competencia de Misceláneas Exquisitas / "12° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires" (Octubre 2016).
------------------------------
MENSAJE (2017)
Dirección/Guión: Sergio Marzano. Argentina. 11:30 min.
Gastón vive atormentado por la muerte de su ex novia. Escucha una y otra
vez el mensaje telefónico que la joven le dejó previo a su suicidio.
Harto de su existencia vacía decide borrarlo, pensando que así podrá
librarse de sus penas, pero ella no lo va a dejar en paz tan fácilmente. Competencia de Misceláneas Exquisitas / "13° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires" (Octubre 2017).
------------------------------
PRISIONERA DE LA ETERNIDAD (2017)
Dirección/Guión: Gabriel Piñeiro. Argentina. 29:45 min.
En una solitaria residencia de vacaciones, poblada de antiguas
fotografías con gente de otra época, una mujer se levanta y deambula por
el lugar. A medida que transcurre el día y se avecina una tormenta, los
seres de las fotos van cobrando mayor presencia, mientras van
desapareciendo las personas reales. Al llegar la noche, ella se dará
cuenta que no le es posible escapar a su destino. Mención Especial en la Competencia de Misceláneas Exquisitas / "13° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires" (Octubre 2017).
------------------------------
REALIDAD DEL INCONSCIENTE EN SOLEDAD (2017)
Dirección/Guión: Ariana Lafferriere, Carla Sofía Ostiglia. Argentina. 4:14 min.
Febo es un paciente psiquiátrico que no puede distinguir la realidad de
su mente. Su mundo se ha resumido a los traumas que lo definieron como
persona a lo largo de su vida. Su inconsciente quiere que sea libre, más
no será una tarea fácil de lograr. Competencia de Misceláneas Exquisitas / "13° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires" (Octubre 2017).
------------------------------
Programación General
Programación General
------------------------------
Suscribirse a:
Entradas (Atom)